Четыре ведущих художника — Анда Мункевица из Латвии, Ремигиус Крюкас и Индре Стулгайте-Крюкиене из Литвы, Иво Лилл из Эстонии — представили около двухсот уникальных авторских произведений. Свою выставку они назвали «Контрасты». Действительно, яркие творческие индивидуальности явили нам красоту стекла в разных жанрах и видах, в разных образных интерпретациях и техниках, в разном эстетическом осмыслении этого искусства сегодня.

Выставка ярко отразила состояние студийного творчества, ‒ мирового явления в стекле, ставшего художественным феноменом в искусстве ХХ–ХХI веков. Основным завоеванием этого движения, охватившего все страны и континенты, отметившего полвека своего существования в 2012 году, стал свободный творческий эксперимент, который вывел художественное стекло на уровень больших пластических искусств.

Успех выставки у зрителей и среди коллег был предопределен. Эмоциональная сила и напряжение, исходящие из массы стекла, взрывы цвета, оптические эффекты, фактурные изыски рождали новое эстетическое чувство от встречи с ранее невиданным, еще не пережитым. Пластические арт-объекты — от мелкой камерной пластики до объемно-пространственных объектов и инсталляций — при всей условности и лаконизме средств вызывали разные ассоциации. Высокопрофессиональная экспозиция с подсветкой объектов в затемненном пространстве способствовала максимальному восприятию каждой представленной работы. Другой составляющей успеха было совершенство технического исполнения, являющееся непременной характеристикой эстетической ценности авторского произведения. Экспозиция работ каждого автора прозвучала как его персональная выставка.

Ремигиус Крюкас одним из первых в Литве в 2000 году создал собственную студию художественного стекла «Гласремис» в родном Паневежисе и организовал производство декоративных предметов для интерьеров, скульптуры, сувениров. Большой опыт работы с мастерами в студиях Европы (Дания, Германия, Чехия), совершенное владение техникой стекольного ремесла, знание ситуации в мировом стеклоделии позволили ему уверенно войти в современный художественный процесс. С 1985 года, после окончания Вильнюсского государственного художественного института, Крюкас постоянно участвует в международных выставках (страны Балтии, Украина, Германия, Дания, Финляндия, Швеция, США и др.) и симпозиумах.

Творческий метод Крюкаса заключается в гармоничном соединении дизайнерского рационального мышления и декоративно-образной трактовки материала. Его авторский почерк раскрылся в создании пространственных объемно-пластических арт-объектов из оптического стекла. Преломление, отражение, дифракцию света автор использует для передачи многосторонних пространственно-смысловых связей. Представленные в Москве работы («Голубой парус», «Недосягаемая мечта», «Диалог», «Круглые камни», «Парус на ветру», «Отражения», «Весенние игры», «Кратер», «Осколок Марса», «Оттепель» и десятки других) поражают особым напряжением внутренней жизни объема, контрастом гладких фактур и матовой шероховатой поверхности. Формы его оптических объектов созвучны современной архитектуре логикой конструктивного построения, соотношением пропорций, масс стекла. Цвет, пронизывающий толщу массивных блоков, «отвечает» за эмоциональное и ассоциативно-образное решения. Свободная от изобразительного начала пластика, а по сути, скульптурные объекты, раскрывают отношение автора к миру, его переживания, впечатления от увиденного. При всей абстракции геометрических форм, лаконизме технических приемов произведения Крюкаса вызывают вполне определенные ассоциации, отраженные в названиях работ. Автор часто обращается к мотиву паруса, разыгранному в пластических и цветовых вариациях («Голубой парус», «Вечерний», «Балтийский»). К этому, вероятно, располагает и исходная форма литого блока стекла. Часто для усиления образной выразительности автор прибегает к соединению стекла с другими материалами‒— деревом, камнем.

Художник всегда знает, что он хочет сказать и как это передать средствами стекла. Используемый им прием соединения холодных видов обработки (резьба, полировка, шлифование) со свободным формованием горячего стекла дает возможность формотворческой импровизации. Монолитные литые, идеально прозрачные блоки стекла обретают четкие очертания по контрасту с декоративными фактурными деталями, буквально врезающимися в их плоть. Материально ощутимый пластический декор вызывает впечатление органического роста, развития, происходящих в природе, во Вселенной. Этот найденный Крюкасом декоративный прием контрастного сопоставления разных субстанций материала стал характерной приметой безошибочно узнаваемого авторского почерка.

Следует особо сказать о моделировании внутреннего пространства с его вибрацией света и цвета, когда при каждом новом ракурсе происходят удивительные оптические метаморфозы. Плоскость вдруг обретает объем или, напротив, объемное трансформируется в плоскостное. Многомерное насыщение цветными бликами, лучезарные вспышки света, их динамичное взаимодействие превращают реальное

в иллюзорное, и наоборот.

Позиция Крюкаса активна в разных сферах художественной и производственно-предпринимательской деятельности. Его знание состояния стекольного дела в мире позволило четко определить линию авторской реализации.

Индре Стулгайте-Крюкиене ‒ художник с ярко выраженным образным мышлением. Ее художественный язык метафоричен. Она успешно работает с мужем в студии «Гласремис». Индре создала свою концепцию стекольного мира.

В ее работах всегда присутствует личностная оценка происходящего

в окружающей среде, свое понимание и осознание значительного и мелкого, главного и второстепенного, вечного и сиюминутного. Им присущи мудрая простота и сдержанность в средствах выражения. Стекольные композиции Индре воссоздают образы романтических северных пейзажей, передают разное состояние природы, настроение человека («Дух дома», «Норвегия», «Край света». Излюбленным стал мотив дома, а его своеобразное объемно-пластическое решение — авторский код. Небольшие объекты, инсталляции пронизаны ощущением безбрежности мироздания и особого места в нем домашнего очага. Индре достигает этого чрезвычайно лаконичными средствами. В композиции «Дух дома» она размещает на цветных кубах маленькие домики, своего рода геометрические фигурки, а в «Норвегии» единственный крохотный домик едва виден на каменном островке-постаменте, словно с высоты птичьего полета. Специфический ракурс придает масштабное звучание всей композиции при ее почти миниатюрном размере. Вместе с тем возникает чувство потерянности, заброшенности, одинокости в огромном мире. Передать через малое значительное, сокровенное, соединить камерное и вселенское — в этом состоит особое умение автора.

Стулгайте в совершенстве владеет техникой литого стекла и часто использует авторский прием отпечатков какого-либо изображения на вязкой поверхности неостывшего стекла. В этой технике ярко проявляются все нюансы пластической моделировки, равно как раскрывается декоративность цвета и его метаморфоз в толще массивных геометрических форм.

Другой способ создания ассоциативных образов применен в работах из отшлифованных блоков оптического стекла. Почерк Стулгайте безошибочно узнается в серии корабликов, минималистически исполненных в разном цвете («Корабли», «В ночь на корабле», «Невидимый корабль». Совсем другой творческий ход использован при создании объектов «Каштаны», «Игра в кости». Здесь автор прибегает к почти натуральному изображению плодов, предметов, в чем можно усмотреть некие аналогии с поп-артом.

Индре Стулгайте весьма успешно участвует в творческих акциях с 2002 года, со времени учебы в Вильнюсской художественной академии, а ее персональные выставки в 2007 году и совместные выступления с Крюкасом (одни из самых ярких — выставка в Литовском центре культуры в Москве в 2009 году, в Финляндии, в Музее стекла в Риихимяки, в 2011-м) продемонстрировали ее индивидуальный авторский почерк.

Анда Мункевица — одна из ярких художниц студийного творчества в Латвии. В 2002 году она создала собственную стекольную компанию, оборудованную на современном техническом уровне, где по заказам выполняются разного рода работы для интерьеров —‒

от витражей и декоративных панелей до лестниц, светильников, мебели, а также декоративные и подарочные предметы. Совместная работа с дизайнерами, архитекторами позволяет реализовать в ее студии современные творческие проекты. Отсюда размах идей и замыслов в авторском индивидуальном творчестве, интерес к монументально-декоративным формам. Обучение Анды в школах и студиях в США (Пилчак-глас, Сиэтл) позволило ей в совершенстве овладеть стекольными техниками. В авторском стекле она стремится, по ее выражению, «открыть пространство, которое закрыто, наполнить его светом, ветром, атмосферой». В работах, представленных в Москве, Анда проявила себя как мастер крупной объемно-пластической формы. Такие объекты, как «Березы», «Акация», «Бриз», «Море» (высота некоторых достигает двух метров), поражают мощной энергией, кажутся неподвластными женским рукам. Открытая форма с потенциалом ее развития и движения в пространстве, сложные пластические фактуры (автор снимает слепки со стволов деревьев, используя свой технический прием), свернутые в рулоны и загнутые по краям пласты стекла сродни миру природы с его стихийными проявлениями.

Пластическое дарование Анды особенно ярко раскрывается в ее скульптурных работах. Здесь автор обращается к теме человеческих отношений, осмыслению разных состояний духа, настроения («Пробуждение». «Медитация», «Черный понедельник», «Воскресенье», «Рана», «Преодоление»). В ее знаковом объекте «Пробуждение» на листах из матового стекла, словно на рентгеновском снимке, изображены женская и мужская фигуры. Их свободное парение в пространстве воспринимается как пребывание на грани реального и ирреального. Уплощенные фигуры выглядят объемными благодаря световой моделировке, контрасту белого и черного. В парном скульптурном портрете «Анда и Валентин» высветленные профили лиц, обращенные друг к другу, словно высвобождаются из плена монолитного блока матового стекла, оставляя объем нерасчлененным, в котором сохранились лишь едва намеченные очертания.

Активная выставочная деятельность Мункевицы, начавшаяся в 1996 году (международные выставки в США, Японии, Бельгии, Финляндии, Венгрии и других странах), а также работа на симпозиумах в Дании, Германии, Эстонии, Латвии, на Украине дали возможность свободно ориентироваться в мировом творческом пространстве и четко определить собственный путь.

Иво Лилл — основоположник студийного творчества в Эстонии. Он начал работать со стеклом в середине 1980-х годов, сразу после окончания Государственного художественного института в Таллине. Иво активно включился в процесс создания современного стекла и сосредоточился на создании уникальных произведений. Уже с первых его работ заметен неординарный взгляд на возможности стекла. Пройдя основательную школу обучения гравировке у профессора

М. Роосма, Лилл верен технике холодной обработки стекла, став непревзойденным мастером в этой сфере. Его произведения получили признание как в Эстонии, так и за рубежом. Член Международного общества художников стекла с центром в Сиэтле (США), член Центра стекла Мурано (Centro Studio Vetro), победитель многих международных конкурсов и обладатель призов и наград, Иво Лилл — заметная фигура в мировом стекольном процессе. Он был выбран одним из шести мировых представителей в японский каталог «Японское стекло-96».

Тема пространства и соотношения с ним объекта как творческая задача, занимающая интересы современного художника, раскрывается в его объемных объектах и композициях с особым ощущением прозрачности, хрупкости и светоносности материала. «Стекло хрупкое, как каждое человеческое существо», — говорит художник. А потому каждый найденный им прием и образ приближает зрителя к эмоциональному проникновению в мир художника. Работы Лилла открыты человеческому чувству, они понятны, искренни и в то же время глубоко артистичны и уникальны в своем художественном и техническом воплощении.

Скульптурная пластика Иво представляет собой шлифованные блоки бесцветного и цветного стекла геометрических форм. Его обработка — трудоемкий и длительный процесс, состоящий из нескольких этапов, включающий множество комбинаций: резьбу, шлифовку, полировку, склеивание листов стекла и т.д. Благодаря включению внутрь объемов зеркальных и цветных плоскостей, особой подсветки с помощью диодов они производят феерический эффект, цветофактурные метаморфозы преобразуют пространство в особый мир света, лучезарности, в царство цвета, теней. Изобретательность авторских технических приемов поражает, серии и циклы произведений позволяют разыгрывать задуманное в разных формах и красках. Таковы его серии «Циклы», «Импульс», «Фаза», «Пассаж», «Прикосновение», «Розовый рай», «Хамелеон», «Иллюзия» и другие. За этими названиями-понятиями скрываются образные ассоциации и эмоции, возникают микро- и макростекольные миры с загадочной красотой структурного декора («Иллюзия», «Пассаж»), цветовых превращений («Хамелеон»). Лирическое начало также не чуждо автору. Оно звучит прежде всего в работах на тему природной среды. Открытые пространству, солнцу, небу, воде («Трын-трава», «Импульс», «Ажур»), они отражают в глади своих поверхностей окружение, что декоративно обогащает их. В композиции «Ажур» художник раскрывает красоту легкого живописного узора черного цвета между слоями стекла, в объекте «Трын-трава» зеленый «растянутый» по поверхности цвет и неровный выщербленный край, словно проросший в гладь формы, напоминают о пейзаже.

Эмоциональные интонации Иво Лилла весьма многообразны. Напомним, что мы не раз встречались с его работами на проходящих в Москве триеннале стекла (в 2011 году он стал обладателем диплома 5-й триеннале «Стекло-2011»). Но всегда главным в его авторском стекле остается оригинальная мысль автора, представленная в художественно и технически совершенной форме.

Выставка «Контрасты», представившая авторское стекло четырех ведущих мастеров стран Балтии, получила самые восторженные отзывы художественного сообщества и зрителей.

Думается, что такой успех объясняется «стратегией сюрприза», продемонстрированной нам коллегами, которая заключалась в силе эмоционально-образного воздействия, выявлении природной красоты материала, раскрытой с артистизмом в оригинальных и порой неожиданных проектах.

Материал опубликован в журнале «Декоративное искусство» #5/416

Текст: Людмила Казакова

Фото предоставлены ВМДПНИ