В начале 2013 года в галерее «Hayward» в культурном центре Лондона (Southbank Centre) открылась уникальная выставка «Световое шоу», в которой приняли участие художники, работающие со светом.

Проект реализуется в четырех странах – Великобритании (Лондон), Америке (Нью-Йорк), Германии (Франкфурт) и районе Рис-Оранджис рядом с Парижем. Художники, дизайнеры, социологи и психологи объединили усилия для изучения влияния новых технологий и методов освещения городского пространства на горожан.

Город будущего нередко сравнивается с театральной сценой. Действительно, архитекторы используют многие приемы построения светоцветового пространства с помощью виртуальной скульптуры, цветосветового освещения архитектуры, визуальных проекций. Проект осуществляется при помощи университетов Нью-Йорка (Columbia University и New York University), в Лондоне (образовательный и научный центр London School of Economics and Political Science, культурный центр Barbican Arts Centrе, колледж Guildhall School of Music and Drama и NESTA – Национальное благотворительное учреждение по науке, технологии и искусствам), во Франкфурте (музей Weltkulturen Museum, колледж Städelschule for Art and Architecture и Frankfurt LAB – некоммерческая организация – лаборатория современной музыки, театра и танца).

Световое шоу, как сказано в аннотации к выставке, исследует эмпирические и формообразующие возможности света во всех его пространственных и сенсорных формах через нематериальную скульптуру, проекции, инсталляции. Свет может влиять на наше сознание, изменять наше видение и восприятие мира. Световое шоу включает наиболее значимые художественные работы последних лет, а также старые работы классиков жанра, специально воссозданные для Hayward Gallery.

Самый известный участник выставки, положивший начало «искусству света», – Дэн Флавин (Dan Flavin, 1933 – 1996, Нью-Йорк). Свои первые эскизы скульптур с вмонтированными электрическими светильниками он создал в 1961 году, работая охранником в Американском музее естественной истории в Нью-Йорке. В конце того же года он сделал сборные конструкции, получившие название «иконы», в которых применил наложение световых лучей на монохроматические полотна. К 1963 году художник отказывается от холста и начинает работать с люминесцентными лампами. В 1968 году появляются его скульптуры комнатного размера, представляющие собой световую среду. В том же году Флавин заполнил целую галерею ультрафиолетовым светом в инсталляции (название) на четвертой «Документе» в Касселе. В 1990-х годах масштаб световых инсталляций Флавина становится все более и более грандиозным: он заполнил Музей Гуггенхайма разноцветным светом, (1992). В 1996 году вмонтировал электрические светильники зеленого и синего цвета в лестничные пролеты склада, придав ему облик подлинного произведения искусства (1996, Фонд искусств «Диа», «Dia Art Foundation»). Начиная с 1963 года Флавин работал с серийными флуоресцентными лампами (лампы дневного цвета), создавая произведения, отличающиеся внешней простотой и высокой сложностью. Он ограничивался узкой палитрой (красный, синий, зеленый, розовый, желтый, ультрафиолет и четыре оттенка белого) и формой (прямые, от полуметра до двух с половиной метров трубчатые лампы и начиная с 1972 года стал использовать круги). В рамках ограниченного визуального словаря Флавин занимался многолетним исследованием поведения света. Критики причисляют его к минималистам, таким как Сол Левитт и Дональд Джадд. Новаторские по концепции и исполнению, его световые объекты занимают промежуточное положение между скульптурой и рисунком. Действительно, во многих случаях Флавин мыслит как рисовальщик, однако вместо линий он использует трехмерные фигуры в пространстве, которые излучают свет и цвет от его люминесцентных ламп. Эти «линии» заполняют все пространство целиком, отражаясь на полу, стенах и потолке. Элементы его композиций совершают возвратно-поступательные движения и создают пространственные эффекты за счет последовательно установленных модулей.

Многие художественные критики задавались, однако, вопросом «не может ли любой желающий создать «Флавина», просто посетив хозяйственный магазин, собрав конструкцию из люминесцентных ламп и повесив их на стену или поставив их в угол и щелкая переключателем. Еще при жизни художник выдавал коллекционерам сертификаты в подтверждение того, что они приобрели произведение, созданное в его студии.

Лео Виллареал, "Мультиверсия", 2008

Еще один участник выставки – Лео Виллареал (Leo Villareal, 1967, Нью-Мексико), пионер в использовании светоизлучающих диодов (СИД). Его авторские работы - ослепительные узоры, созданные пучками света с помощью специального программного обеспечения. Искусство Виллареала созвучно с настенными рисунками Сола Левитта и «системными» живописными полотнами Питера Галлея. Мультиверсная световая скульптура Лео Виллареалам воспринимается только по мере того, как посетитель проходит через главный вестибюль, соединяющий восточное и западное здания Национальной галереи искусств. Эта работа состоит примерно из 41 тысячи управляемых компьютером светодиодных узлов, которые проложены в желобах на всем протяжении пространства (61 метр). Разработка этого светодиодного проекта началась в 2005 году, а монтаж инсталляции продолжался с сентября по декабрь 2008 года. Работа «Цилиндр II» («Cylinder II») (2012), представленная на выставке, состоит из 19 600 белых светодиодов, синхронизированных таким образом, чтобы создавать бесконечно меняющиеся узоры, напоминающие метеоритные дожди, падающий снег, облака и полет светлячков. Интенсивность свечения и скорость изменения узоров создают непрекращающиеся мерцание и движение.

Джеймс Таррелл (James Turrell 1943, США) хорошо известен русским зрителям по прошедшей в 2011 году выставке в Москве. В Англии он прославился знаменитым проектом для природного парка Килдар, Нортумбрия, – огромным цилиндрическим строением с трехметровым отверстием вверху наподобие маленькой обсерватории, через которое посетитель может созерцать небо. Дизайн решен таким образом, чтобы в точности сохранить баланс между внутренним светом и меняющимся внешним светом.

С конца 1960-х годов Таррелл создавал «перцепционные среды» с использованием только естественного или искусственного света. Его произведения расширяют и усиливают перцепцию и выступают в качестве объектов созерцания и откровения. В серии «Клиновидные работы», экспонируемые на выставке, Таррелл заставляет свет падать через залы таким образом, чтобы разделить пространство по диагонали, создавая почти осязаемые поверхности и плоскости.

Дженни Холцер (Jenny Holzer, 1950, США) впервые заявила о себе серией «Труизмы» (Truisms 1977 – 1979), представляющей собой анонимные плакаты, наклеенные на здания, стены и заборы в районе Манхэттена. Напечатанные типографским способом жирным курсивом фразы типа «Злоупотребление властью не вызывает удивления» и «Существует тонкая грань между информацией и пропагандой» должны были спровоцировать споры в обществе. Впервые электронные светодиодные вывески Дженни использовала в 1982 году во время работы над проектом «Spectacolor Board» в Нью-Йорке на Таймс-сквер. ЕЕ инсталляции выставлялись на самых престижных площадках, таких как Музей Гуггенхейма (Нью-Йорк), американский павильон на Венецианской биеннале (Венеция, год?), институт современного искусства (Лондон), Центр Помпиду (Париж). Основное внимание Дженни уделяет исследованию художественных средств для распространения своих идей в общественном пространстве. С конца 1970-х годов художница работала на улицах и в общественных зданиях с использованием художественных средств, которые бы позволили органично вписать ее работы в городскую среду – от жидкокристаллических дисплеев (на Таймс-сквер в Нью-Йорке) до постеров и стикеров, наклеенных, к примеру, на городские телефонные будки или паркоматы. Тексты в проектах Холцер – это комментарии к среде, в которую они помещены, апеллирующие к нашей социальной обусловленности («Пожалуйста, измените свои убеждения», например).

Британский художник Энтони Макколл (Anthony McCall, 1946) занимается междисциплинарным творчеством, в котором сочетаются киносъемка, скульптура, инсталляция, графика и перформанс. Ранние фильмы Макколла – документирование перформансов под открытым небом – отличаются минимализмом средств и построены на запечатлении огня. После переезда в Нью-Йорк в 1973 году Макколл продолжил свои «огненные» перформансы и создал серию фильмов, основанных на «немигающем световом сигнале», концепция которого заложена в работе 1973 года «Линия, описывающая конус» («Line Describing a Cone»). Его интересуют скульптурные качества светового луча. Световой луч лежит в основе инсталляции «немигающего светового сигнала» под названием «Вы и я в горизонтальном положении» («You and I. Horizontally») (2005) – большая скульптура из света, внутри которой можно свободно перемещаться. Как объясняет Макколл, это подобие фильма, «потому что даже по мере того как вы изучаете эту инсталляцию, она медленно движется и меняется».

В 2009 году из бюджета культурной программы Олимпиады 2012 года в Лондоне Макколл получил 500 000 фунтов стерлингов на реализацию проекта «Колонна». «Колонна» представляла собой столб вращающегося светового пара, который поднимался с поверхности земли и был виден на расстоянии до 100 километров. С большого расстоянии «Колонна» воспринималась как молния, уходящая в небо, вблизи – как полая труба, образованная вихревым вращением облака диаметром около 20 метров. Форма «Колонны» постоянно находилась в процессе «самовоспроизводства», оставаясь стабильной, исчезала и появлялась вновь под действием меняющихся ветра, влажности, температуры и положения солнца.

Полный текст читайте в журнале "Декоративное искусство" №4/415 2013

 

Лада Балашова